Ruth Asawa -Ruth Asawa

Fra Wikipedia, den frie encyklopædi

Ruth Asawa
Imogen Cunningham - Ruth Asawa.jpg
Asawa i 1952
Født
Ruth Aiko Asawa

( 24-01-1926 )24. januar 1926
Døde 6. august 2013 (2013-08-06)(87 år)
Uddannelse Black Mountain College
Kendt for Skulptur
Ægtefæller
Albert Lanier
,
,
( m. 1949; død 2008 )
Børn 6
Internet side ruthasawa .com

Ruth Aiko Asawa (24. januar 1926 – 6. august 2013) var en amerikansk modernistisk billedhugger . Hendes arbejde er vist i samlinger på Solomon R. Guggenheim Museum og Whitney Museum of American Art i New York City. Femten af ​​Asawas trådskulpturer er udstillet permanent i tårnet på San Franciscos de Young Museum i Golden Gate Park, og flere af hendes springvand er placeret på offentlige steder i San Francisco. Hun var fortaler for kunstuddannelse og drivkraften bag oprettelsen af ​​San Francisco School of the Arts, som blev omdøbt til Ruth Asawa San Francisco School of the Arts i 2010. I 2020, US Postal Servicehædret hendes arbejde ved at producere en serie på ti frimærker, der mindes hendes velkendte trådskulpturer.

Tidligt liv og uddannelse

Ruth Asawa blev født i 1926 i Norwalk, Californien og var et af syv børn. Hendes forældre, immigranter fra Japan, drev en lastbilfarm indtil den japanske amerikanske internering under Anden Verdenskrig . Bortset fra Ruths far, blev familien interneret på et forsamlingscenter, der hurtigt blev etableret ved Santa Anita-væddeløbsbanen i det meste af 1942, hvorefter de blev sendt til Rohwer War Relocation Center i Arkansas . Ruths far, Umakichi Asawa, blev arresteret af FBI-agenter i februar 1942 og interneret i en interneringslejr i New Mexico . I seks måneder efter vidste Asawa-familien ikke, om han var i live eller død. Asawa så ikke sin far i seks år. Ruths yngre søster, Nancy (Kimiko), var på besøg hos familie i Japan, da hendes familie blev interneret. Hun var ude af stand til at vende tilbage, da USA forhindrede indre, selv for amerikanske statsborgere fra Japan. Nancy blev tvunget til at blive i Japan under krigens varighed. Asawa sagde om interneringen:

Jeg holder ingen fjendtligheder for det, der skete; Jeg bebrejder ingen. Nogle gange kommer godt gennem modgang. Jeg ville ikke være den, jeg er i dag, hvis det ikke havde været for interneringen, og jeg kan godt lide, hvem jeg er.

Asawa blev interesseret i kunst i en tidlig alder. Som barn blev hun opmuntret af sin lærer i tredje klasse til at skabe sit eget kunstværk. Som et resultat modtog Asawa i 1939 førstepræmien i en skolekunstkonkurrence for kunstværker, der udforskede temaer for amerikansk identitet.

Efter sin eksamen fra interneringscentrets gymnasium, gik Asawa på Milwaukee State Teachers College, og havde til hensigt at blive kunstlærer. Hun blev forhindret i at gå på college på Californiens kyst, da krigen var fortsat, og området for hendes planlagte college stadig var erklæret forbudt for etniske japanere, uanset om de var amerikanske statsborgere eller ej. Ude af stand til at blive ansat til den fornødne undervisningsøvelse for at fuldføre sin grad, forlod hun Wisconsin uden en uddannelse. (Wisconsin tildelte hende graden i 1998.) Asawa fortalte om en oplevelse, da hun stoppede i Missouri for at bruge toilettet, da hun og hendes søster ikke vidste, hvilket badeværelse de skulle bruge. Der var et farvet og et hvidt toilet ved busstoppestedet og på grund af racediskriminationen på det tidspunkt valgte de at bruge det farvede toilet. En gang på Black Mountain var der mere lighed for hende og andre minoritetsstuderende, herunder andre asiatiske amerikanere og afroamerikanere. Mens de var på campus, var de ligeværdige, men i byen var virkeligheden af ​​racisme i Amerika tydelig. Dette førte til en direkte følelse af social bevidsthed i Asawas skulpturer og en intimitet påvirket af den modgang, hendes familie oplevede som en minoritet i Amerika.

Sommeren før hendes sidste år i Milwaukee rte Asawa til Mexico med sin ældre søster Lois (Masako). Asawa deltog i en kunstklasse på Universidad Nacional Autonoma de Mexico ; blandt hendes lærere var Clara Porset, en indretningsarkitekt fra Cuba. En ven af ​​kunstneren Josef Albers, Porset fortalte Asawa om Black Mountain College, hvor han underviste. Asawa fortalte:

Jeg fik at vide, at det kunne være svært for mig, med minderne om krigen stadig friske, at arbejde i en folkeskole. Mit liv kan endda være i fare. Dette var en gave fra Gud, fordi det opmuntrede mig til at følge min interesse for kunst, og jeg meldte mig efterfølgende ind på Black Mountain College i North Carolina.

Fra 1946 til 1949 studerede hun på Black Mountain College hos Josef Albers . Asawa lærte at bruge almindelige materialer fra Albers og begyndte at eksperimentere med tråd ved hjælp af en række forskellige teknikker. Som alle Black Mountain College-studerende tog Asawa kurser på tværs af en række forskellige kunstformer, og denne tværfaglige tilgang var med til at forme hendes kunstneriske praksis. Hendes tegnestudie med Ilya Bolotowsky og Josef Albers var formativ. Hendes tegninger fra denne tid udforsker mønster og gentagelse, og hun var især fascineret af bugten som motiv. Hun var især påvirket af sommersessionerne 1946 og 1948, som indeholdt kurser af kunstneren Jacob Lawrence, fotografikurator og historiker Beaumont Newhall, Jean Varda, komponist John Cage, koreograf Merce Cunningham, kunstner Willem de Kooning, billedhugger Leo Amino og R. Buckminster Fuller . Ifølge Asawa var dansekurserne, hun tog med Merce Cunningham, særligt inspirerende. I en klasse, der omfattede medstuderende Rauschenberg, rapporterede Asawa, at de løb ned ad en stor bakke, som om det var en dans med flammende fakler, der sprængte Stravinskys Forårsrite. I modsætning hertil beskrev Asawa sine erfaringer med at studere under Josef Albers som mere formalistiske, og hvad andre studerende beskrev som fascistisk i opførsel og tog ikke hensyn til sine elevers følelser i hans lære. Hun citerede ham for at sige "Hvis du vil udtrykke dig selv, så gør det på din egen tid. Lad være med at gøre det i min klasse." Han foretrak at undervise i udforskning og opdagelse gennem design frem for den opstøde, gratis viden, der blev undervist af andre akademikere. Asawa tilsluttede sig denne tilgang på grund af hendes families kulturelle baggrund og hvad hun beskriver som en intolerance over for følelser.

Karriere

Asawas skulpturer udstillet på David Zwirner-galleriet i New York City

I 1950'erne, mens han var studerende på Black Mountain College i Asheville, North Carolina, lavede Asawa en række hæklede trådskulpturer i forskellige abstrakte former. Asawa følte, at hende og hendes medstuderende var foran administrationen med at udvikle deres egen form for modernisme inden for skulptur, og konstant prøvede nye ting. Hun begyndte med kurvedesign og udforskede senere biomorfe former, der hang fra loftet. Hun lærte trådhækleteknikken, mens hun var på en tur for at besøge Josef Albers, mens han var på sabbatår i 1947 Toluca, Mexico, hvor landsbyboere brugte en lignende teknik til at lave kurve af galvaniseret tråd. Hun forklarede:

Jeg var interesseret i det på grund af økonomien ved en linje, at lave noget i rummet, omslutte det uden at blokere det. Det er stadig gennemsigtigt. Jeg indså, at hvis jeg skulle lave disse former, som griber sammen og væver sig sammen, kan det kun gøres med en linje, fordi en linje kan gå overalt.

Efter sin re til Mexico bemærkede Asawas tegnelærer, Ilya Bolotowsky, at hendes interesse for konventionel tegning var blevet erstattet af en fascination af at bruge tråd som en måde at tegne i rummet på. Hendes looped-wire skulpturer udforsker forholdet mellem indre og ydre volumener og skaber, som hun udtrykte det, "en form, der var inde og ude på samme tid." De er blevet beskrevet som legemliggørende forskellige materielle tilstande: indre og ydre, linje og volumen, fortid og fremtid. Awawa sagde "Det var i 1946, da jeg troede, jeg var moderne. Men nu er det 2002, og du kan ikke være moderne for evigt." mens hun udviklede sin materialitet og sine teknikker og eksperimenterede med manuelle visuel kommunikationsmidler. Eksperimentering var nøglen til at finde hendes visuelle identitet som kunstner. Mens hendes teknik til at lave skulpturer ligner vævning, studerede hun ikke vævning, og hun brugte heller ikke fibermaterialer. Materialer betød noget. Som en fattig universitetsstuderende omfavnede Asawa billige fundne genstande såsom sten, blade og pinde, fordi de hverken havde penge eller adgang til godt papir. Nærhed og opdagelse var deres ressource.

Asawas trådskulpturer bragte hende frem i 1950'erne, da hendes arbejde optrådte flere gange i Whitney Biennalen, i en udstilling i 1954 på San Francisco Museum of Modern Art og i São Paulo Art Biennalen i 1955 .

I 1962 begyndte Asawa at eksperimentere med bundede trådskulpturer af forgrenede former med rod i naturen, som blev mere og mere geometriske og abstrakte, efterhånden som hun fortsatte med at arbejde i den form. Med disse stykker behandlede hun nogle gange tråden ved at galvanisere den. Hun eksperimenterede også med galvanisering, hvor hun kørte den elektriske strøm i den "forkerte" retning for at skabe tekstureffekter. "Ruth var forud for sin tid med at forstå, hvordan skulpturer kunne fungere til at definere og fortolke rummet," sagde Daniell Cornell, kurator for de Young Museum i San Francisco. "Dette aspekt af hendes arbejde foregriber meget af det installationsarbejde, der er kommet til at dominere samtidskunsten."

Asawa deltog i Tamarind Lithography Workshop Fellowship i Los Angeles i 1965 som kunstner. I samarbejde med de syv trykkerier på værkstedet producerede hun 52 litografier af venner, familie (inklusive hendes forældre, Umakichi og Haru), naturlige genstande og planter.

I 1960'erne begyndte Asawa at modtage kommissioner for storstilede skulpturer i offentlige og kommercielle rum i San Francisco og andre byer. Awasa installerede sin første offentlige skulptur, Andrea (1968), efter mørkets frembrud på Ghirardelli Square, i håb om at skabe det indtryk, at den altid havde været der. Skulpturen forestiller to støbte bronzehavfruer i et springvand, den ene ammer en merbaby, der plasker blandt havskildpadder og frøer. Kunstværket skabte meget kontrovers om æstetik, feminisme og offentlig kunst ved installationen. Lawrence Halprin, landskabsarkitekten, der designede havnefronten, beskrev skulpturen som et plænepynt i forstaden og krævede, at kunstværket blev fjernet. Asawa svarede: "For de gamle ville det bringe fantasien fra deres barndom tilbage, og for de unge ville det give dem noget at huske, når de bliver gamle." Mange sanfranciskanere, især kvinder, støttede Asawas havfrueskulptur og samlede sig med succes bag hende for at beskytte den.

I nærheden af ​​Union Square (på Stockton Street, mellem Post- og Sutter Streets), skabte hun et springvand, hvortil hun mobiliserede 200 skolebørn til at forme hundredvis af billeder af byen San Francisco i dej, som derefter blev støbt i jern. I årenes løb fortsatte hun med at designe andre offentlige springvand og blev kendt i San Francisco som "springvandsdamen".

Kunstnerens ejendom er repræsenteret af David Zwirner Gallery .

Public service og kunstundervisningsaktivisme

Asawa havde et lidenskabeligt engagement i og var en ivrig fortaler for kunstundervisning som en transformerende og styrkende oplevelse, især for børn. I 1968 blev hun udnævnt til at være medlem af San Francisco Arts Commission og begyndte at lobbye politikere og velgørende fonde for at støtte kunstprogrammer, der ville gavne små børn og gennemsnitlige San-franciskanere. Asawa var med til at stifte Alvarado Arts Workshop for skolebørn i 1968. I begyndelsen af ​​1970'erne blev dette modellen for Art Commission's CETA/Neighborhood Arts Program ved hjælp af penge fra det føderale finansieringsprogram, Comprehensive Employment and Training Act (CETA), som blev et nationalt replikeret program, der beskæftigede kunstnere fra alle discipliner til at udføre public service-arbejde for byen.

Alvarado-tilgangen arbejdede på at integrere kunst og havearbejde, hvilket afspejlede Asawas egen opvækst på en gård. Asawa troede på en praktisk oplevelse for børn og fulgte tilgangen "learning by doing". Asawa troede på fordelen ved, at børn lærer af professionelle kunstnere, noget hun overtog ved at lære af praktiserende kunstnere på Black Mountain College . Hun mente, at klasseværelseslærere ikke kunne forventes at undervise i kunst, oven i alt deres andre ansvar. 85 procent af programmets budget gik til at ansætte professionelle kunstnere og kunstnere, som eleverne kunne lære af. Dette blev fulgt op i 1982 ved at bygge en offentlig kunstgymnasium, San Francisco School of the Arts, som blev omdøbt til Ruth Asawa San Francisco School of the Arts til hendes ære i 2010. Asawa ville fortsætte med at tjene på California Arts Council, National Endowment for the Arts i 1976, og fra 1989 til 1997 fungerede hun som administrator for Fine Arts Museums of San Francisco .

I slutningen af ​​sit liv anerkendte Asawa kunstuddannelse som central for vigtigheden af ​​hendes livsværk.

Personlige liv

I juli 1949 giftede Asawa sig med arkitekten Albert Lanier, som hun mødte i 1947 på Black Mountain College. Parret fik seks børn på trods af Laniers tøven med overhovedet at få børn: Xavier (1950), Aiko (1950), Hudson (1952), Adam (1956-2003), Addie (1958) og Paul (1959). Albert Lanier døde i 2008. Asawa mente, at "Børn er som planter. Hvis du fodrer dem og vander dem generelt, vil de vokse." Han fortalte en anden kunstner og ven af ​​dem "dine malerier bliver dine blomster", og de fik aldrig børn. Deres inter-raciale ægteskab var kontroversielt på det tidspunkt og gav næring til Asawas kunstneriske retning. Familien flyttede til Noe Valley- kvarteret på Castro på 28. og 23. i San Francisco i 1960, hvor hun var aktiv i mange år i samfundet.

Død

Asawa døde af naturlige årsager den 6. august 2013 i sit hjem i San Francisco i en alder af 87.

Priser og hædersbevisninger

Udvalgte værker

  • Andrea (1966), havfruefontænen ved Ghirardelli Square, San Francisco, Californien
  • Fountain (1973), The Hyatt på Union Square, San Francisco, Californien
  • Fountains (1976), The Buchanan Mall (Nihonmachi), San Francisco, Californien
  • Aurora (1986), det origami-inspirerede springvand ved havnefronten i San Francisco.
  • The Japanese-American Internment Memorial Sculpture (1994) i San Jose, Californien
  • The Garden of Remembrance (2002) ved San Francisco State University, San Francisco, Californien

Priser

  • 1966: Første Dymaxion-pris for kunstner/videnskabsmand
  • 1974: Guldmedalje fra American Institute of Architects
  • 1990: San Francisco Chamber of Commerce Cyril Magnin Award
  • 1993: Ærespris fra Kvindernes Caucus for the Arts
  • 1995: Asian American Art Foundations Golden Ring Lifetime Achievement Award
  • 2002: Æresdoktor ved San Francisco State University
  • Siden 1982 har San Francisco erklæret den 12. februar for at være "Ruth Asawa Day"

Film

  • Snyder, Robert, producer (1978) Ruth Asawa: On Forms and Growth, Pacific Palisades, CA: Masters and Masterworks Production
  • Soe, Valerie og Ruth Asawa instruktører (2003) Every One Teach One: The Alvarado School Art Program, San Francisco: Alvarado Arts Program.

Se også

Referencer

Yderligere læsning

  • Abrahamson, Joan og Sally Woodridge (1973) Alvarado School Art Community Program. San Francisco: Alvarado School Workshop.
  • Bancroft Library (1990) Ruth Asawa, Art, Competence and Citywide Cooperation for San Francisco, " i The Arts and the Community Oral History Project . University of California, Berkeley.
  • Bell, Tiffany og Robert Storr (2017) Ruth Asawa. David Zwirner Bøger: New York.
  • Chase, Marilyn (2020) Everything She Touched: The Life of Ruth Asawa. Chronicle Books: San Francisco.
  • Cook, Mariana (2000) Par. Krønikebøger.
  • Cornell, Daniell et al. (2006) Skulpturen af ​​Ruth Asawa: konturer i luften. University of California Press .
  • Cunningham, Imogen (1970) Fotografier, Imogen Cunningham. University of Washington Press.
  • D'Aquino, Andrea (2019) Et liv lavet i hånden: Ruth Asawa (børnebog). Princeton Architectural Press.
  • Dobbs, Stephen (1981) "Community and Commitment: An Interview with Ruth Asawa", i Art Education bind 34 nr. 5.
  • Faul, Patricia et al. (1995) Den nye ældre kvinde. Himmelsk kunst.
  • Harris, Mary Emma (1987) The Arts at Black Mountain College. MIT Press.
  • Hatfield, Zack. "Ruth Asawa: Tending the Metal Garden", NY Daily, New York Review of Books, 21. september 2017
  • Hopkins, Henry og Mimi Jacobs (1982) 50 vestkystkunstnere. Krønikebøger.
  • Jepson, Andrea og Sharon Litsky (1976) The Alvarado Experience. Alvarado kunstværksted.
  • Laib, Jonathan et al. (2015) Ruth Asawa: Linje for linje. Christies showkatalog.
  • McClintock, Elizabeth (1977) Den japanske tehave, Golden Gate Park. San Francisco: John McLaren Society. (Planteillustrationer af Asawa.)
  • Rountree, Cathleen (1999) On Women Turning 70: Honoring the Voices of Wisdom. Jossey-Bass.
  • Rubinstein, Charlotte Streifer (1992) Amerikanske kvindelige billedhuggere. GK Hall.
  • San Francisco Museum of Art . (1973) Ruth Asawa: Et tilbageblik . San Francisco Museum of Art.
  • Schatz, Howard (1992) Begavet kvinde. Pacific Photographic Press.
  • Schenkenberg, Tamara et al. (2019) Ruth Asawa: Livets værk. New Haven: Yale University Press.
  • Schoettler, Joan (2018) Ruth Asawa: A Sculpting Life (børnebog). Gretna, Louisiana: Pelican Publishing.
  • Villa, Carlos et al. (1994) Worlds in Collision: Dialogues on Multicultural Art Issues. San Francisco Art Institute.
  • Woodridge, Sally (1973) Ruth Asawas San Francisco-fontæne. San Francisco Museum of Art .

eksterne links