Ruth Asawa-Ruth Asawa

Van Wikipedia, de gratis encyclopedie

Ruth Asawa
Imogen Cunningham - Ruth Asawa.jpg
Asawa in 1952
Geboren
Ruth Aiko Asawa

( 1926/01/24 )24 januari 1926
Ging dood 6 augustus 2013 (2013-08-06)(87 jaar)
Opleiding Black Mountain College
Bekend om Beeldhouwwerk
Echtgenoot(en)
Albert Lanier
( m. 1949; overleden 2008 )
Kinderen 6
Website ruthasawa.com _

Ruth Aiko Asawa (24 januari 1926 - 6 augustus 2013) was een Amerikaanse modernistische beeldhouwer . Haar werk is opgenomen in collecties van het Solomon R. Guggenheim Museum en het Whitney Museum of American Art in New York City. Vijftien van Asawa's draadsculpturen zijn permanent tentoongesteld in de toren van San Francisco's de Young Museum in Golden Gate Park, en verschillende van haar fonteinen bevinden zich op openbare plaatsen in San Francisco. Ze was een pleitbezorger van kunsteducatie en de drijvende kracht achter de oprichting van de San Francisco School of the Arts, die in 2010 werd omgedoopt tot de Ruth Asawa San Francisco School of the Arts .eerde haar werk door een serie van tien postzegels te produceren die haar bekende draadsculpturen herdenken.

Het vroege leven en onderw

Ruth Asawa werd geboren in 1926 in Norwalk, Californië en was een van de zeven kinderen. Haar ouders, immigranten uit Japan, exploiteerden een vrachtwagenboerderij tot de Japans-Amerikaanse internering tijdens de Tweede Wereldoorlog . Behalve de vader van Ruth, werd het gezin gedurende een groot deel van 1942 geïnterneerd in een verzamelcentrum dat haastig was opgezet op het circuit van Santa Anita, waarna ze naar het Rohwer War Relocation Center in Arkansas werden gestuurd . Ruths vader, Umakichi Asawa, werd in februari 1942 door FBI-agenten gearresteerd en geïnterneerd in een detentiekamp in New Mexico . De familie Asawa wist zes maanden lang niet of hij nog leefde of dood was. Asawa heeft haar vader zes jaar niet gezien. Ruth's jongere zus, Nancy (Kimiko), was op bezoek bij familie in Japan toen haar familie werd geïnterneerd. Ze was niet in staat om terug te keren, omdat de VS zelfs Amerikaanse burgers uit Japan de toegang verhinderde. Nancy werd gedwongen in Japan te blijven voor de duur van de oorlog. Asawa zei over de internering:

Ik koester geen vijandigheden voor wat er is gebeurd; Ik neem het niemand kwalijk. Soms komt het goede door tegenspoed. Ik zou niet zijn wie ik nu ben zonder de internering, en ik hou van wie ik ben.

Asawa raakte al op jonge leeftijd geïnteresseerd in kunst. Als kind werd ze aangemoedigd door haar leraar in de derde klas om haar eigen kunstwerken te maken. Als gevolg hiervan ontving Asawa in 1939 de eerste pr in een schoolkunstwedstrijd voor kunstwerken die thema's van de Amerikaanse identiteit verkenden.

Na haar afstuderen aan de middelbare school van het interneringscentrum, ging Asawa naar het Milwaukee State Teachers College, met de bedoeling om kunstleraar te worden. Ze mocht niet naar de Californische kust omdat de oorlog voortduurde en de zone van haar beoogde universiteit nog steeds verboden was verklaard voor etnische Japanners, of ze nu Amerikaans staatsburger waren of niet. Omdat ze niet kon worden aangenomen voor de vereiste praktijkles om haar diploma te behalen, verliet ze Wisconsin zonder een diploma. (Wisconsin kende haar het diploma in 1998 toe.) Asawa vertelde over een ervaring toen ze in Missouri stopte om naar het toilet te gaan, terwijl zij en haar zus niet wisten welke badkamer ze moesten gebruiken. Er was een gekleurd en een wit toilet bij de bushalte en vanwege de rassendiscriminatie destijds kozen ze ervoor om het gekleurde toilet te gebruiken. Eenmaal op Black Mountain was er meer gelijkheid voor haar en andere minderheidsstudenten, waaronder andere Aziatische Amerikanen en Afro-Amerikanen. Op de campus waren ze gelijken, maar in de stad was de realiteit van racisme in Amerika duidelijk. Dit leidde tot een direct gevoel van sociaal bewustzijn in Asawa's sculpturen en een intimiteit beïnvloed door de tegenspoed die haar familie als minderheid in Amerika ervoer.

De zomer voor haar laatste jaar in Milwaukee reisde Asawa met haar oudere zus Lois (Masako) naar Mexico. Asawa volgde een kunstles aan de Universidad Nacional Autonoma de Mexico ; onder haar docenten was Clara Porset, een interieurontwerpster uit Cuba. Een vriend van kunstenaar Josef Albers, Porset vertelde Asawa over Black Mountain College waar hij lesgaf. Asawa vertelde:

Ik kreeg te horen dat het misschien moeilijk voor me zou zijn, met de herinneringen aan de oorlog nog vers, om op een openbare school te werken. Mijn leven zou zelfs in gevaar kunnen zijn. Dit was een uitkomst, want het stimuleerde me om mijn interesse in kunst te volgen, en ik schreef me vervolgens in aan Black Mountain College in North Carolina.

Van 1946 tot 1949 studeerde ze aan het Black Mountain College bij Josef Albers . Asawa leerde alledaagse materialen van Albers te gebruiken en begon te experimenteren met draad, met behulp van verschillende technieken. Zoals alle Black Mountain College-studenten volgde Asawa cursussen in verschillende kunstvormen en deze interdisciplinaire benadering hielp haar artistieke praktijk vorm te geven. Haar studie tekenen met Ilya Bolotowsky en Josef Albers was vormend. Haar tekeningen uit deze tijd verkennen patroon en herhaling, en ze was vooral geïntrigeerd door de meander als motief. Ze werd vooral beïnvloed door de zomersessies van 1946 en 1948, met cursussen van kunstenaar Jacob Lawrence, fotografiecurator en historicus Beaumont Newhall, Jean Varda, componist John Cage, choreograaf Merce Cunningham, kunstenaar Willem de Kooning, beeldhouwer Leo Amino en R Buckminster Fuller . Volgens Asawa waren vooral de danscursussen die ze bij Merce Cunningham volgde inspirerend. In een klas met medestudent Rauschenberg meldde Asawa dat ze een grote heuvel afrenden alsof het een dans was met brandende fakkels die Stravinsky's Lenteritueel afvuurden. Daarentegen beschreef Asawa haar ervaringen met studeren onder Josef Albers als meer formalistisch en wat andere studenten beschreven als fascistisch in gedrag en hield geen rekening met de gevoelens van zijn studenten in zijn lessen. Ze citeerde hem als volgt: "Als je jezelf wilt uiten, doe dat dan in je eigen tijd. Doe het niet in mijn klas." Hij gaf er de voorkeur aan om exploratie en ontdekking door middel van ontwerp te onderwijzen in plaats van de uitgebraakte gratis kennis die door andere academici werd onderwezen. Asawa sloot zich bij deze benadering aan vanwege de culturele achtergrond van haar familie en wat zij omschrijft als een intolerantie voor emoties.

Carrière

Asawa's sculpturen tentoongesteld in de David Zwirner-galerij in New York City

In de jaren vijftig maakte Asawa, toen hij student was aan het Black Mountain College in Asheville, North Carolina, een reeks gehaakte draadsculpturen in verschillende abstracte vormen. Asawa voelde dat zij en haar medestudenten de administratie voor waren met het ontwikkelen van hun eigen vorm van modernisme in de beeldhouwkunst, waarbij ze voortdurend nieuwe dingen probeerden. Ze begon met mandenontwerpen en verkende later biomorfe vormen die aan het plafond hingen. Ze leerde de draadhaaktechniek tijdens een reis om Josef Albers te bezoeken terwijl hij op sabbatical was in 1947 in Toluca, Mexico, waar dorpelingen een vergelijkbare techniek gebruikten om manden te maken van gegalvaniseerd draad. Ze legde uit:

Ik was erin geïnteresseerd vanwege de zuinigheid van een lijn, iets maken in de ruimte, het omsluiten zonder het te blokkeren. Het is nog steeds transparant. Ik realiseerde me dat als ik deze vormen zou gaan maken, die in elkaar grijpen en verweven, het alleen met een lijn kan, omdat een lijn overal heen kan gaan.

Na haar reis naar Mexico merkte Asawa's tekenleraar, Ilya Bolotowsky, op dat haar interesse in conventioneel tekenen was vervangen door een fascinatie voor het gebruik van draad als een manier om in de ruimte te tekenen. Haar lusvormige draadsculpturen onderzoeken de relatie tussen binnen- en buitenvolumes en creëren, zoals ze het uitdrukte, 'een vorm die tegelijkertijd binnen en buiten was'. Ze zijn beschreven als de belichaming van verschillende materiële toestanden: interieur en exterieur, lijn en volume, verleden en toekomst. Awawa zei: "Het was in 1946 toen ik dacht dat ik modern was. Maar nu is het 2002 en je kunt niet voor altijd modern zijn." terwijl ze haar materialiteit en technieken ontwikkelde en experimenteerde met handmatige visuele communicatiemiddelen. Experimenteren was de sleutel tot het vinden van haar visuele identiteit als kunstenaar. Hoewel haar techniek voor het maken van sculpturen lijkt op weven, heeft ze geen weven gestudeerd en ook geen vezelmaterialen gebruikt. Materialen waren belangrijk. Als arme student omarmde Asawa goedkope gevonden voorwerpen zoals stenen, bladeren en stokken omdat ze niet het geld of de toegang tot goed papier hadden. Nabijheid en ontdekking was hun hulpbron.

Asawa's draadsculpturen brachten haar bekendheid in de jaren vijftig, toen haar werk verschillende keren verscheen in de Whitney Biënnale, in een tentoonstelling in 1954 in het San Francisco Museum of Modern Art en in de São Paulo Art Biënnale van 1955 .

In 1962 begon Asawa te experimenteren met geknoopte draadsculpturen van vertakkende vormen geworteld in de natuur, die steeds geometrisch en abstract werden naarmate ze in die vorm bleef werken. Met deze stukken behandelde ze de draad soms door deze te verzinken . Ze experimenteerde ook met galvaniseren, waarbij ze de elektrische stroom in de "verkeerde" richting liet lopen om textuureffecten te creëren. "Ruth was haar tijd vooruit in het begrijpen hoe sculpturen konden functioneren om de ruimte te definiëren en te interpreteren", zegt Daniell Cornell, curator van het de Young Museum in San Francisco. "Dit aspect van haar werk loopt vooruit op veel van het installatiewerk dat de hedendaagse kunst is gaan domineren."

Asawa nam in 1965 als kunstenaar deel aan de Tamarind Lithography Workshop Fellowship in Los Angeles. In samenwerking met de zeven prentkunstenaars in de werkplaats produceerde ze 52 lithografieën van vrienden, familie (inclusief haar ouders, Umakichi en Haru), natuurlijke voorwerpen en planten.

In de jaren zestig begon Asawa opdrachten te ontvangen voor grootschalige sculpturen in openbare en commerciële ruimtes in San Francisco en andere steden. Awasa installeerde haar eerste openbare sculptuur, Andrea (1968), in het donker op het Ghirardelli-plein, in de hoop de indruk te wekken dat het er altijd al was geweest. Het beeldhouwwerk toont twee gegoten bronzen zeemeerminnen in een fontein, een die een zeemeermin voedt, spetterend tussen zeeschildpadden en kikkers. Het kunstwerk genereerde bij installatie veel controverse over esthetiek, feminisme en openbare kunst. Lawrence Halprin, de landschapsarchitect die de ruimte aan het water ontwierp, beschreef de sculptuur als een gazonornament in de voorsteden en eiste de verwijdering van het kunstwerk. Asawa wierp tegen: "Voor de oude zou het de fantasie van hun kindertijd terugbrengen, en voor de jongeren zou het hen iets geven om te onthouden als ze oud worden." Veel San Franciscanen, vooral vrouwen, steunden Asawa's zeemeerminsculptuur en schaarden zich met succes achter haar om het te beschermen.

In de buurt van Union Square (aan Stockton Street, tussen Post en Sutter Street), creëerde ze een fontein waarvoor ze 200 schoolkinderen mobiliseerde om honderden afbeeldingen van de stad San Francisco in deeg te gieten, die vervolgens in ijzer werden gegoten. In de loop der jaren ging ze andere openbare fonteinen ontwerpen en werd ze in San Francisco bekend als de "fonteindame".

Het landgoed van de kunstenaar wordt vertegenwoordigd door David Zwirner Gallery .

Activisme voor openbare dienstverlening en kunsteducatie

Asawa had een hartstochtelijke inzet voor en was een fervent pleitbezorger voor kunsteducatie als een transformerende en versterkende ervaring, vooral voor kinderen. In 1968 werd ze benoemd tot lid van de San Francisco Arts Commission en begon ze te lobbyen bij politici en liefdadigheidsinstellingen om kunstprogramma's te ondersteunen die ten goede zouden komen aan jonge kinderen en gemiddelde San Franciscanen. Asawa was mede-oprichter van de Alvarado Arts Workshop voor schoolkinderen in 1968. In het begin van de jaren zeventig werd dit het model voor het CETA/Neighborhood Arts Program van de Art Commission met geld van het federale financieringsprogramma, de Comprehensive Employment and Training Act (CETA), dat een nationaal gerepliceerd programma werd waarbij kunstenaars van alle disciplines in dienst werden genomen om openbare dienstverlening voor de stad te doen.

De Alvarado-aanpak werkte om kunst en tuinieren te integreren, een weerspiegeling van Asawa's eigen opvoeding op een boerderij. Asawa geloofde in een hands-on ervaring voor kinderen en volgde de benadering "leren door te doen". Asawa geloofde in het voordeel van kinderen die leren van professionele kunstenaars, iets wat ze overnam van het leren van praktiserende kunstenaars op Black Mountain College . Ze geloofde dat van leraren in de klas niet kon worden verwacht dat ze kunst onderwezen, naast al hun andere verantwoordelijkheden. 85 procent van het budget van het programma ging naar het inhuren van professionele artiesten en artiesten waar de studenten van konden leren. Dit werd in 1982 opgevolgd door de bouw van een openbare kunstschool, de San Francisco School of the Arts, die in 2010 ter ere van haar werd omgedoopt tot de Ruth Asawa San Francisco School of the Arts . Asawa zou gaan dienen op de California Arts Council, de National Endowment for the Arts in 1976, en van 1989 tot 1997 was ze beheerder van de Fine Arts Museums of San Francisco .

Aan het einde van haar leven erkende Asawa kunsteducatie als centraal in het belang van haar levenswerk.

Priveleven

In juli 1949 trouwde Asawa met architect Albert Lanier, die ze in 1947 ontmoette op Black Mountain College. Het echtpaar kreeg zes kinderen, ondanks Laniers aarzeling om kinderen te krijgen: Xavier (1950), Aiko (1950), Hudson (1952), Adam (1956-2003), Addie (1958) en Paul (1959). Albert Lanier stierf in 2008. Asawa geloofde dat "Kinderen als planten zijn. Als je ze voedt en water geeft, zullen ze over het algemeen groeien." Hij vertelde een andere kunstenaar en vriend van hen "je schilderijen zullen je bloemen zijn" en ze hebben nooit kinderen gehad. Hun interraciale huwelijk was destijds controversieel en voedde Asawa's artistieke richting. Het gezin verhuisde in 1960 naar de wijk Noe Valley op Castro op 28e en 23e van San Francisco, waar ze vele jaren actief was in de gemeenschap.

Dood

Asawa stierf een natuurlijke dood op 6 augustus 2013 in haar huis in San Francisco op 87-jarige leeftijd.

Prijzen en onderscheidingen

Geselecteerde werken

  • Andrea (1966), de zeemeerminfontein op Ghirardelli Square, San Francisco, Californië
  • Fountain (1973), The Hyatt op Union Square, San Francisco, Californië
  • Fonteinen (1976), The Buchanan Mall (Nihonmachi), San Francisco, Californië
  • Aurora (1986), de op origami geïnspireerde fontein aan de waterkant van San Francisco.
  • De Japans-Amerikaanse Internering Memorial Sculpture (1994) in San Jose, Californië
  • The Garden of Remembrance (2002) aan de San Francisco State University, San Francisco, Californië

onderscheidingen

  • 1966: Eerste Dymaxion Award voor kunstenaar/wetenschapper
  • 1974: Gouden medaille van het American Institute of Architects
  • 1990: San Francisco Kamer van Koophandel Cyril Magnin Award
  • 1993: Honor Award van de Women's Caucus for the Arts
  • 1995: Asian American Art Foundations Golden Ring Lifetime Achievement Award
  • 2002: Eredoctoraat van de San Francisco State University
  • Sinds 1982 heeft San Francisco 12 februari uitgeroepen tot "Ruth Asawa-dag".

Film

  • Snyder, Robert, producer (1978) Ruth Asawa: On Forms and Growth, Pacific Palisades, CA: Masters and Masterworks Production
  • Soe, Valerie en Ruth Asawa directeuren (2003) Each One Teach One: The Alvarado School Art Program, San Francisco: Alvarado Arts Program.

Zie ook

Referenties

Verder lezen

  • Abrahamson, Joan en Sally Woodridge (1973) The Alvarado School Art Community Program. San Francisco: Alvarado-schoolworkshop.
  • Bancroft Library (1990) Ruth Asawa, kunst, competentie en stadsbrede samenwerking voor San Francisco, " in The Arts and the Community Oral History Project . University of California, Berkeley.
  • Bell, Tiffany en Robert Storr (2017) Ruth Asawa. David Zwirner Boeken: New York.
  • Chase, Marilyn (2020) Alles wat ze aanraakte: het leven van Ruth Asawa. Chronicle Books: San Francisco.
  • Cook, Mariana (2000) Koppels. Kroniek boeken.
  • Cornell, Daniell et al. (2006) Het beeldhouwwerk van Ruth Asawa: contouren in de lucht. Universiteit van Californië Pers .
  • Cunningham, Imogen (1970) Foto's, Imogen Cunningham. Universiteit van Washington Press.
  • D'Aquino, Andrea (2019) A Life Made by Hand: Ruth Asawa (kinderboek). Princeton Architectural Press.
  • Dobbs, Stephen (1981) "Gemeenschap en toewijding: een interview met Ruth Asawa", in Art Education vol 34 no 5.
  • Faul, Patricia et al. (1995) De nieuwe oudere vrouw. Hemelse kunsten.
  • Harris, Mary Emma (1987) De kunsten aan het Black Mountain College. MIT Pers.
  • Hatfield, Zack. "Ruth Asawa: Tending the Metal Garden", NY Daily, New York Review of Books, 21 september 2017
  • Hopkins, Henry en Mimi Jacobs (1982) 50 West Coast-artiesten. Kroniek boeken.
  • Jepson, Andrea en Sharon Litsky (1976) De Alvarado-ervaring. Alvarado Kunstworkshop.
  • Laib, Jonathan et al. (2015) Ruth Asawa: regel voor regel. Christie's showcatalogus.
  • McClintock, Elizabeth (1977) De Japanse theetuin, Golden Gate Park. San Francisco: De John McLaren Society. (Plantillustraties door Asawa.)
  • Rountree, Cathleen (1999) Over vrouwen die 70 worden: de stemmen van wheid eren. Jossey-Bas.
  • Rubinstein, Charlotte Streifer (1992) Amerikaanse vrouwelijke beeldhouwers. GK zaal.
  • San Francisco-kunstmuseum . (1973) Ruth Asawa: een terugblik . San Francisco-kunstmuseum.
  • Schatz, Howard (1992) Begaafde vrouw. Pacific fotografische pers.
  • Schenkenberg, Tamara et al. (2019) Ruth Asawa: Levenswerk. New Haven: Yale University Press.
  • Schoettler, Joan (2018) Ruth Asawa: A Sculpting Life (kinderboek). Gretna, Louisiana: Pelican Publishing.
  • Villa, Carlos et al. (1994) Worlds in Collision: Dialogen over multiculturele kunstkwesties. San Francisco Art Institute.
  • Woodridge, Sally (1973) De San Francisco-fontein van Ruth Asawa. San Francisco-kunstmuseum .

Externe links